< an den erweiterten Blick
(on the expanded view)
Johannes Raimann und Isabella Til
30 August – 26 October 2024
DBCA Düsseldorf Flingern, Lindenstr. 167
AN DEN ERWEITERTEN BLICK
(please scroll for English version)
In der Ausstellung < an den erweiterten Blick untersuchen Isabella Til und Johannes Raimann das Verhältnis von Körper und digitaler Technik. Dabei richten sie ihren Blick sowohl nach innen als auch nach außen. Im Inneren wird der persönliche Umgang mit diesen Technologien sichtbar, während der Blick nach außen die gesellschaftlichen Bedingungen aufzeigt. Auch die Herstellungsweise der Kunstwerke wird einbezogen, wobei digitale und analoge Werkzeuge und Techniken ineinander greifen.
Der bewusste menschliche Blick, das Wahrnehmen durch das Auge, ist ein Prozess, der nicht nur unsere Sinnesorgane und unser Gehirn betrifft, sondern auch unsere Emotionen und gespeicherten Erfahrungen einbezieht. Dieser Vorgang führt uns zu bestimmten Einstellungen und Handlungen. Die westliche Geschichte bezeichnet diesen Wesenskern als Intelligenz, Ich oder Geist, in dem wir erworbene Informationen speichern. Fast alle menschlichen Seinsfragen berühren das Verhältnis von Körper und Geist und weiter, wie diese Erkenntnisse kulturell gespeichert werden können.
Die Menschheit hat im Laufe der Zeit verschiedene Werkzeuge entwickelt, um Wissen und Erkenntnisse zu speichern und weiterzugeben. Diese reichen von der Keilschrift über den Buchdruck und Bibliotheken bis hin zu den nahezu unendlichen Kapazitäten der elektronischen Speicher. (1) Gleichzeitig bestand immer ein Misstrauen gegenüber jedem neuen Medium. Platons Schriftkritik (ca. 400 v.Chr.) beispielsweise argumentierte, dass das Aufschreiben Vergesslichkeit fördere und ein unmittelbares Verinnerlichen des Gelernten verhindere.
Wenn man diese intensive Art des Aufnehmens als Ziel im Auge behält und bedenkt, dass jedes Medium nur eine Simulation des menschlichen Denkens sein kann, wird der Werkzeugcharakter, selbst von Künstlicher Intelligenz, offenbar. Das komplexe Zusammenspiel von menschlichem Körper und Geist ist schwer zu entschlüsseln und ebenso schwer zu ersetzen. Dennoch eröffnet die Auseinandersetzung mit technischen Apparaten Möglichkeiten, solange man sich nicht von ihren strahlenden Effekten blenden lässt. Es ist wichtig zu erkennen, dass ein neues Medium nicht notwendigerweise ein altes ersetzt, sondern ergänzend wirkt.
Beide Künstler sind keine blauäugigen Digitalutopisten, sondern versuchen in ihren Arbeiten das verantwortungsvolle Wechselspiel zwischen menschlichen und technischen Fähigkeiten und Phänomenen anzusprechen.
Isabella Til benutzt den Computer seit 1988 als Zeichenwerkzeug. Die Entscheidungen während dieses überzeitlichen Vorgangs kann sie analytischer treffen, als bei ihrem gestisch-expressiven Umgang mit dem traditionellen Material Farbe. Die digitalen Techniken geben ihr dabei im spielerischen Gebrauch die Möglichkeit ebenso überraschende Ergebnisse wie bei Handzeichnungen zu erreichen. Gegenüber dem spontanen, unwiderruflichen Pinselduktus ermöglicht der Computer das Replizieren und Widerrufen von malerischen Entscheidungen sowie die Verwendung von Archivmaterial. Beide Erfahrungen werden von Isabella Til in gegenseitiger Reflexion auf der Leinwand verdichtet. Es entstehen hybride räumliche Strukturen aus Licht und Farbe zwischen Pixel und Pinsel.
Isabella Tils Untersuchungen umkreisen das Thema der abstrakten Malerei in einer zunehmend analog-digitalen Umgebung und konzentrieren sich auf die Auswirkungen dieses Wechselspiels auf den Menschen. Die kritische Auslotung des kaum benennbaren „Dazwischen“ in der Mensch-Maschine-Beziehung ist für Isabella Til eine wichtige Herausforderung unseres derzeitigen Denkens.
Johannes Raimann beschäftigt sich intensiv mit den Grundlagen und Bedingungen der Photographie. In seinen Arbeiten betont er das Phos (Licht) in Kombination mit Graphía (Zeichen/Zeichnung). Für ihn sind photographische Technologien ein essentielles Mittel, um politische, ökonomische und soziale Prozesse sichtbar zu machen. Seit einigen Jahren untersucht Raimann verstärkt die Digitalphotographie. Er erschafft reflektierende Oberflächen, die nicht nur die Betrachter, sondern auch globale Produktionsketten und die damit verbundenen ökonomischen und sozialen Verhältnisse widerspiegeln. Der Prozess des Sichtbarmachens und Erfahrbarmachens steht im Mittelpunkt seiner künstlerischen Haltung. Indem Raimann das Material des vermeintlich körperlosen „Digitalen“ zeigt macht er es auch kritisierbar. Er benutzt die Bedingungen und Begrenzungen der digitalen Technologien um neue Perspektiven auf die Nutzung und Auswirkungen dieser Technologien aufzuzeigen.
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(1) Vgl. Vilém Flusser, Gedächtnisse, in: Philosophien der neuen Technologie, Ars Electronica (Hrsg.), Merve Verlag 1988, S. 41ff.
ON THE EXPANDED VIEW
In the exhibition < an den erweiterten Blick (on the expanded view), Isabella Til and Johannes Raimann examine the relationship between the body and digital technology. In doing so, they direct their gaze both inwards and outwards. From the inside, the personal use of these technologies becomes visible, while the view to the outside reveals the social conditions. The way in which the artworks are produced is also included, with digital and analogue tools and techniques intertwining.
The conscious human gaze, perception through the eye, is a process that not only affects our sensory organs and our brain, but also involves our emotions and stored experiences. This process leads us to certain attitudes and actions. Western history refers to this core of being as Intelligence, Ego or Spirit, in which we store acquired information. Almost all human questions of being touch on the relationship between body and mind and further how this knowledge can be stored culturally.
Over the course of time, mankind has developed various tools to store and pass on knowledge and insights. These range from cuneiform writing, book printing and libraries to the almost infinite capacity of electronic storage. (1) At the same time, there was always a mistrust of any new medium. Plato's criticism of writing (ca. 400 BC), for example, argued that writing things down promotes forgetfulness and prevents the immediate internalisation of what has been learned.
If we keep this intensive type of learning in mind and consider that any medium can only be a simulation of human thought, the tool character of even artificial intelligence becomes apparent. The complex interplay between the human body and mind is difficult to decipher and just as difficult to replace. Nevertheless, engaging with technical devices opens up possibilities as long as we do not allow ourselves to be dazzled by their shining effects. It is important to recognise that a new medium does not necessarily replace an old one, but complements it. Both artists are not blue-eyed digital utopians, but try to address the responsible interplay between human and technical capabilities and phenomena in their work.
Isabella Til has been using the computer as a drawing tool since 1988. She can make decisions during this timeless process more analytically than in her gestural-expressive handling of the traditional material of colour. The playful use of digital techniques gives her the opportunity to achieve equally surprising results as with hand drawings. In contrast to the spontaneous, irrevocable brushstroke, the computer makes it possible to replicate and revoke painterly decisions and to use archive material. Isabella Til condenses both experiences in mutual reflection on the canvas. Hybrid spatial structures of light and colour emerge between pixel and brush.
Isabella Til's investigations revolve around the theme of abstract painting in an increasingly analogue-digital environment and concentrate on the effects of this interplay on people. For Isabella Til, the critical exploration of the barely nameable ‘in-between’ in the human-machine relationship is one important challenge of our contemporary thinking.
Johannes Raimann is intensively involved with the foundations and conditions of photography. In his works, he emphasises phos (light) in combination with graphía (drawing). For him, photographic technologies are an essential means of visualising political, economic and social processes. For some years now, Raimann has been increasingly investigating digital photography. He creates reflective surfaces that not only mirror the viewer, but also global production chains and the associated economic and social conditions. The process of visualising and making tangible is at the centre of his artistic approach. By showing the material of the supposedly disembodied ‘digital’, Raimann also makes it open to criticism. He uses the conditions and limitations of digital technologies to show new perspectives on the use and effects of these technologies
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(1) Cf. Vilém Flusser, Gedächtnisse, in: Philosophien der neuen Technologie, Ars Electronica (ed.), Merve Verlag 1988, p. 41ff.
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One Hand, Other Hand, 2024
Acrylic, oil, on unprimed nettle and computer generated graphic print
Tribe of Questers, 2023/24
Acrylic paint, charcoal, pencil, computer generated graphics on unprimed canvas
"I partially overprint the painting with a graphic I develop for it on the computer. I further process this 'montage of different realities' on the unprimed canvas with paint. Physical and digital painting (as many comparable situations between mankind and machines in contemporary life) each generate different physical resonances and therefore also produce a different painterly engagement. I am interested in making this tension and experience tangible in the painting."
In February 2023 I did an interview with open Chat GPT about abstract art and my artwork. It was astonishing how fast and precise the answers were produced. However, the polite discussion did not provide me with insights of very new relevance. Basically it was busy referring to my objections and often repeated my own phrases. This means we are also training AI and this again leads to responsibility in countless ways!
Parallel to this I prompted DALL-E (the AI version that produces images instead of text) and other AI Tools like Canva and Midjourney the description of my own artworks and used some resulting images in my new drawing series "Housequake".
Pareto
28 September - 4 November 2021, Felix Ringel Galerie, Düsseldorf
Acrylic, charcoal and digital painting on canvas
Abstract gestural investigations on canvas are revised with digital painting created in parallel on the computer, so that the blurring of the boundaries between analogue and digital techniques creates hybrid spatial structures. The works oscillate between coincidence and control and respond to painting in a hybrid, multilayered world.
MULTILAYER Vision 20/20 part II
Schloss Plüschow Museum, Germany
11.07 - 15.08.2021
Curated by Ivo Ringe and Juliane Rogge MA
Official text:
Mit Arbeiten von rund 50 internationalen Künstlerinnen und Künstlern richtet MULTILAYER. Vision 20/20 den Blick auf ein aktuelles Phänomen der konkreten Kunst, das gegenwärtig vielerorts in den Ateliers stattfindet: die Mehrlagigkeit der Darstellung in der Bildfläche.
(...) Die strukturelle Vielschichtigkeit bringt mit der Gleichzeitigkeit unterschiedlicher Vorgänge, der „Simultanität von Ereignissen“ (Thomas Micchelli) einen Aspekt der Wirklichkeit zum Ausdruck – ähnlich der Überlagerung von Erinnerungen und Zukunftsvorstellungen in der Wahrnehmung des gegenwärtigen Moments.
Im Verhältnis von in sich geschlossener Eigenständigkeit und bezugnehmendem Miteinander ist der Zwischenraum der Bildebenen eine Information für sich: Hier wird eine besondere Tiefe und eine eigene Energie erzeugt und spürbar.
Die Ausstellung, die als beobachtender Zugriff auf ein aktuelles, lebendiges Phänomen verstanden werden kann, führt vor allem Malereien und Zeichnungen zusammen, die größtenteils in den letzten beiden Jahren entstanden sind und zeigt damit die vielfältigen eigenständigen Positionen von Künstlerinnen und Künstlern verschiedener Generationen und Nationalitäten, mit denen sie sich diesem Thema zuwenden.
Sis Corp.
On view 8th March - 20th April, 2021 at Felix Ringel Galerie, Düsseldorf
The online vernissage panel was organized by female.vision on International Women's Day 2021 brought about an intense exchange of questions about the series of works Sis Corp.
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Interview at THE DORF Magazin The Dorf / 8.3.21, Kunst mit Isabella Til
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Sis Corp. No. 1–11
each work approx. 110 x 60 x 10 cm, acrylic on canvas, painted front and verso, sewed together, wire bow, some works with: plastic and lettering
In der Arbeit Sis Corp. setzt Isabella Til ihre Auseinandersetzung mit Rollenstereotypen fort und „degradiert“ eigene Fragestellungen der abstrakten Malerei zu Mechanismen, um noch bestehende tradierte Probleme im Rollenverständnis der Geschlechter offenzulegen. Die Arbeit möchte sensibilisieren und Dialoge eröffnen, um breit für die hartnäckigen Schwierigkeiten im Zusammenleben jenseits politischer Bestimmungen zu sensibilisieren . Dieses, ab Familiengründung, besonders komplexe Thema beruht beruht fast nur auf privater Verhandlung.
Der Gedanke das Format schon als Teil der Botschaft zu nutzen führen zum Kleid als Bildträger. Ein deutliches, vorwiegend feminines Zeichen aber zugleich in seiner Historie auch ironisch zitierbar und interessant für große Teile der Gesellschaft.
Das Bild in Form eines Kleides in Miniaturgröße, wird aus bemalter und zum Teil mit Fotos aus kommerziellen Bildarchiven bedruckter Leinwand geschnitten und zusammengenäht. Das zweiseitige "Kleid-Bild" wird zur Requisite eines Protests und befragt insofern auch die tradierte Malerei. Es hängt an einem herkömmlichen Drahtbügel und kann von beiden Seiten betrachtet werden.
Es gibt nur eine einzige retrohafte Kleidersilhouette, die in iher naiven Zeichenhaftigkeit sofort erkennbar ist und gleichzeitig, steif durch die Malerei, ebenso unangenehme Gedanken an eine korsettartige Uniform hervorruft. Auf den ersten Blick heiter und angepasst werden die kritischen Muster erst beim genaueren Hinsehen offenbar, denn tatsächlich ist auch die oben erwähnte Grundproblematik erschreckend tradiert. Ambitionierte Frauen bürden sich häufig mehr auf, als ihre Partner, wenn sie ihre Vorstellung von Karriere und zeitgemäßer Unabhängigkeit mit Familie erfüllen wollen. Das Thema birgt noch immer Konfliktpotenzial, wird aber gemeinhin als „gelöst“ verhandelt.
Einzelne Kleider irritieren mit der teilweisen Verhüllung durch beschriftete schwarzen Plastiksäcke. Die Aufschriften sind immer gleich strukturierte englische Sätze in Ich-Form, die in zweideutiger Weise von jedem der Akteure gesprochen sein könnten. Sie sprechen von Respektlosigkeit und Bequemlichkeit bis zu fehlender Solidarität und Verzagtheit unter Frauen. Mansplaining, Gender Pay Gap, Gender Care Gap sind Schlagwörter zur Beschreibung einer psychologischen und ökonomischen Dominanz. Dazu bringt die Liebe und Sorge für das Leben von Kindern häufig angepasste Handlungen hervor. Eine Lösung dieser Zwänge ist auch gesellschaftlich nur in gemeinsamer Offenheit und Fairness möglich.
In dem teils widersprüchlichen Zusammenwirken von Form und Inhalt auf verschiedenen Ebenen kommuniziert die Arbeit plakativ einen vielschichtigen Konflikt und ist im Aufbau flexibel. Papierarbeiten mit collagierten Textil- und Textfragmenten sind in Ergänzung entstanden.
MULTILAYER | Vision 20/20, international groupshow,
Stiftung für Konzeptuelle Kunst at Museum Wilhelm Morgner, Soest
October 10, 2020 – April 25, 2021
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Curated by Juliane Rogge MA and Ivo Ringe
Mit Arbeiten von rund 50 internationalen Künstlerinnen und Künstlern richtet MULTILAYER. Vision 20/20 den Blick auf ein aktuelles Phänomen der konkreten Kunst, das gegenwärtig vielerorts in den Ateliers stattfindet: die Mehrlagigkeit der Darstellung in der Bildfläche.
Die Werke zeugen im zweidimensionalen Medium – insbesondere Malerei und Zeichnung – von mehrdimensionalem Denken und Formulieren, während sie zugleich die perspektivische Darstellung definierter Räume überwinden. Vielmehr überlagern sich gleichzeitig und am selben Platz unterschiedliche Strukturen, die zusammenwirken und dennoch individuell erkennbar bleiben.
Die strukturelle Vielschichtigkeit bringt mit der Gleichzeitigkeit unterschiedlicher Vorgänge, der „Simultanität von Ereignissen“ (Thomas Micchelli) einen Aspekt der Wirklichkeit zum Ausdruck – ähnlich der Überlagerung von Erinnerungen und Zukunftsvorstellungen in der Wahrnehmung des gegenwärtigen Moments.
Im Verhältnis von in sich geschlossener Eigenständigkeit und bezugnehmendem Miteinander ist der Zwischenraum der Bildebenen eine Information für sich: Hier wird eine besondere Tiefe und eine eigene Energie erzeugt und spürbar.
Die Ausstellung, die als beobachtender Zugriff auf ein aktuelles, lebendiges Phänomen verstanden werden kann, führt vor allem Malereien und Zeichnungen zusammen, die größtenteils in den letzten beiden Jahren entstanden sind und zeigt damit die vielfältigen eigenständigen Positionen von Künstlerinnen und Künstlern verschiedener Generationen und Nationalitäten, mit denen sie sich diesem Thema zuwenden.
ISABELLA TIL
Area und Fluidum
March 26 – May 8, 2020
Felix Ringel Galerie
Düsseldorf
felixringel.com
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June – August 2020
PArt online exhibition & funding, Spiegelberger Stiftung Hamburg
(awarded with PArt fund by jury: Johann König, Dr. René Scheu, Georgina Pope, Daniel Richter, Leiko Ikemura, Markus Eisenbeis, Prof. Dr. Thomas Girst, Florian Illies)
Artist talk on "PArt"-platform with René Spiegelberger and Anne Simone Krüger from Spiegelberger Stiftung Hamburg
ISABELLA TIL – EXPEDITION AN DIE RÄNDER DER MALEREI
Isabella Til betreibt Malerei als Experimentierfeld. An den Rändern des klassischen Malereibegriffs beginnt ihr Spiel mit der Verschmelzung von digitalen und malerischen Mitteln. Aus der Synthese entstehen Bilder, die tradierte Fragestellungen umformulieren. So bilden die geometrischen Formen in ihren Arbeiten harmonische Gefüge, die tief ineinander verschachtelt sind, ohne dabei im traditionellen Sinne einen illusionistischen Tiefenraum zu erzeugen. Stattdessen lagern bis zu fünfzig Ebenen übereinander. Mal transluzent und mal opak, erzeugen sie ein enigmatisches Raumgefüge und spielen mit dem einfallenden Licht. Die sowohl malerisch als Aquarell oder Zeichnung erstellten, als auch aus eigenen Archiven reproduzierten oder digital weiter entwickelten Bildelemente, verweben sich am Computer zu neuartigen komplexen Bildräumen. Diese erzeugen – genauso wie die mit Acrylfarbe übermalten Bildzonen – Lichtreflektionen, welche einen Zustand zwischen digital und analog erschaffen. In diesem Zwischenraum lösen sich Grenzziehungen auf, nur schwer lässt sich nachvollziehen, ob die einzelnen Schichten manuellen oder technischen Ursprungs sind.
Licht ist ein wesentlicher Aspekt der Arbeiten, die allesamt Unikate sind. Doch statt die seit dem Mittelalter virulente Frage danach zu stellen, wie das Licht ins Bild kommt, geht es in Isabella Tils Kunst auch darum, wie die am Bildschirm aus Licht entstehenden Bilder in die analoge Realität hinein geboren werden können, welche Transformationen sie dabei erfahren und wie sich die Präsenz im Realraum durch Übermalungen modifizieren lässt. Bereits seit den 80er Jahren sind der Computer und die Fotografie für die Künstlerin äquivalent zur Staffelei geworden. Der Anfang ihrer heutigen Arbeitsweise liegt in einer Serie eigener Fotogramme aus den Jahren 1983-85 begründet, welche die Künstlerin für sich wiederentdeckte. Fasziniert von diesen Collagen und den feinen Übergängen der grauen Tonalitäten, begann sie diese in den Fokus ihrer Arbeit zu stellen und ihnen mittels schwarz-weißer Aquarelle und Experimente am Rechner in verschiedenen Variationen nachzuspüren.
Die Serie Area aus dem Jahr 2017 ist Ausdruck dieser interdisziplinären Feldforschung. In subtil nuancierten Fragmenten fügen sich die Arbeiten – trotz ihrer reduzierten Unfarbigkeit – zu einer poetischen Sequenz von Farbakkorden jenseits von einfachem Schwarz und Weiß zusammen. Die Wahrnehmung, so zeigt sich hier, wird maßgeblich von unseren Beobachtungen, Seherfahrungen und Erwartungen geprägt.
Dieser Erwartungshorizont wird auch in der nachfolgenden Werkreihe Fluidum aus dem Jahr 2018 geprüft. Denn die scheinbar aquarellierten, nunmehr pastelligen Farbflächen, sind wiederum teils digital produziert und schließlich partiell übermalt. Sie generieren einen Bildraum, der mit fließenden Elementen, transparenten Schichtungen und Lasuren das Auge in ein Vexierspiel verwickelt, indem die immateriell-digitalen und die materiell-haptischen Elemente überraschende Farb- und Formereignissen generieren. Eine weitere, visuelle wie auch inhaltliche Ebene, eröffnet sich in der Serie McLuhan aus dem Jahr 2019. Zwischen die abstrakten Schichten schieben sich figurative Momente: ein Stück eines klassizistischen Textblattes, Fragmente eines Geldscheins, die Makroaufnahme eines Kabelgewirrs oder eines Tablets.
Alle Werkreihen verbindet die Beeinflussung durch den Konstruktivismus, die sich in den geometrisch-kristallinen Konstruktionen zeigt. Die strengen klaren Formen sind jedoch gepaart mit freien gestischen Momenten. Klar geordnete Strukturen treffen auf freie wogende Linien. Ebenfalls immer wiederkehrend sind Konstruktionen, die an Treppen erinnern – paradox, da Treppen normalerweise ein Weiterkommen suggerieren, in christlichen Bildern gar ein Ankommen. Besonders in den Heiligenbildern der italienischen Renaissance ist der Betrachterstandpunkt oftmals unterhalb einiger Stufen angesiedelt und am Ende der Treppe warten Maria und das Kind. In Isabella Tils Bildräumen ist dagegen keine „Erlösung“ in Sicht – die dynamischen Kompositionen bilden eigene, den Betrachter ins Bild ziehende Kadenzen (1). Man könnte sie als Sinnbild der digitalen Weiten ansehen, in welchen es ebenfalls kein Ankommen gibt, sondern eher ein mögliches Abzweigen. Foucault bemerkte bereits 1967, wir seien nun „in ein Zeitalter der Gleichzeitigkeit eingetreten, dessen Ordnungsstruktur das räumliche ‚Netz’“ ist.(2) So ist auch die Erzählstruktur der Serien, in denen Isabella Til stets arbeitet, keine lineare, sondern eine parallel verlaufende. Das Narrativ zieht sich über die verschiedenen Bilder der, einer Versuchsanordnung gleichenden, Werkreihen hinweg. Trotz der nach außen drängender Dynamik fordern die Arbeiten zu Kontemplation und vergleichender Betrachtung von Sequenzen und Raumschichtungen auf, die simultan nebeneinander existieren.
Isabella Tils an den Rändern der klassischen Malerei angesiedelte Bilder sind Sinnbilder eines Zeitgeistes. Digitale Möglichkeiten treffen auf reales Erfahren, die Präsenz des Lichts wird neu verhandelt und die ungreifbaren Bildschichtungen, die eine Lokalisierung des Betrachters im Bildraum schier unmöglich machen, ermutigen uns zur eigenen Neuverortung in einer Welt, in der sich die Ebenen und Wahrnehmungsmuster verschieben. Ihre Bilder stellen Ideen eines befreiten Prozesses dar, in dem Denken und Handeln zugleich in offener Schwebe und in ständiger Reflexion sind, der aber in seinen Harmonien stets am Menschen orientiert bleibt.
Dr. Anne Simone Kiesiel
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(1) Der Begriff Kadenz entstammt der Harmonielehre und bezeichnet in der Musiktheorie eine Akkordfolge.
(2) Michel Foucault: Von anderen Räumen, in: Raumtheorie. Grundlagentexte aus Philosophie und Kulturwissenschaften, hg. von Jörg Dünne und Stephan Günzel, Frankfurt am Main 2006. S. 317-329, S.317.
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Wanderung, 2020
Acrylic on archival fine art print, unique work, framed 165 x 230 cm
permanent on view at restaurant "Klee's"
K20/Kunstsammlung NRW, Grabbeplatz, Duesseldorf
McLuhan
Acrylic on fine art print, 29,7 x 42 cm
Herbert Marshall McLuhan (1911-1980) was a Canadian philosopher. His work is one of the cornerstones of the study of media theory. McLuhan coined the expression "the medium is the message" and the term "global village", and predicted the World Wide Web almost 30 years before it was invented.
"The medium is the message" is a phrase introduced in McLuhan's book "Understanding Media: The Extensions of Man", published in 1964. McLuhan proposes that a medium itself, not the content it carries, should be the focus of study. He said that a medium affects the society in which it plays a role not only by the content delivered over the medium, but also by the characteristics of the medium itself.
For McLuhan, it was the medium itself that shaped and controlled "the scale and form of human association and action." Taking the movie as an example, he argued that the way this medium played with conceptions of speed and time transformed "the world of sequence and connections into the world of creative configuration and structure." Therefore, the message of the movie medium is this transition from "lineal connections" to "configurations."
As society's values, norms, and ways of doing things change because of the technology, it is then we realize the social implications of the medium.
Already in the early 1960s, McLuhan wrote that the visual, individualistic print culture would soon be brought to an end by what he called "electronic interdependence": when electronic media replaces visual culture with aural/oral culture. In this new age, humankind will move from individualism and fragmentation to a collective identity, with a "tribal base." McLuhan's coinage for this new social organization is the "global village".
Furthermore, McLuhan coined and certainly popularized the usage of the term "surfing" to refer to rapid, irregular, and multidirectional movement through a heterogeneous body of documents or knowledge, e.g., statements such as "Heidegger surf-boards along on the electronic wave as triumphantly as Descartes rode the mechanical wave."
(Source: https://en.wikipedia.org/wiki/Marshall_McLuhan)
Isabella Til’s work "McLuhan" refers to and honors the studies of this far-sighted but since the 80's somewhat forgotten media theoretician. Every sheet that would never have been created without digital media integrates and cites various media, which significantly changed people's relations and collective memory, such as printing, the telephone and the radio up to the computer, world wide web and smartphone.
One could say that the history of the western post-war Germany is closely connected with the history of the VW Beetle at the consumer goods level. It was one of the bestselling cars after World War II and designed with its image as a real „Volkswagen“ as well as composed in its overall marketing structure to fit literally to every citizen. It was produced from 1938 to 2003 and more than 21.5 million cars were sold worldwide. In 1974 VW relocated the beetle production to Mexico. By then the Beetle had already finished its triumphal procession around the world.
While in the post-war German society he started as a vehicle proudly presented as allowing everyone to travel and feel mobile, until the 1970s the Beetle became a student car or the classic second car for the emerging affluent society.
By selecting a spectacular part of a specific VW Beetle as a „pars pro toto“ object trouvé, the work „Gen.Volkswagen“ underscores not only the beauty and myth of design that accompanied a generation, but by the addition of two ink drawings the Beetle parts are spatially and temporally related with questions on female role models of the 60s and the women‘s movement of the 70s.
The bonnet of the 60s (in a very common plain gray color) is accompanied by the drawing of a mother sitting on the edge of a valley with her two little girls (one of whom is the artist). They enjoy the Tyrolean landscape of Fendels , a holiday experience and a female role model as exclusive mother, which they shared with thousands of other western German families of that time. (Interesting in this context is also the fact that until 1958 women of the FRG needed the permission of their husband even for the driver‘s license.)
The second orange VW Beetle rear hood belongs to a „Jeans Beetle“, a special hip Beetle edition, which was launched 1973-75. At that time the Beetle was already a typical student car, as the university sticker shows. At the latest since the American hippie movement, whose favorite car it was, the Beetle also showed a political attitude, here marked by an anti-Nazi-sticker.
The drawing shows a street demo of women. After the student revolts of 1968, the struggle for § 218, which regulated the self-determination of women regarding abortion, again triggered many demonstrations and social discourses until the clause was finally passed in 1975. Since the artist visited a Catholic nuns‘ school in Northrhine Westphalia, the drawing, which is based on a real press photo, shows a nun in costume among the debating women. Strangely, her sight today creates the association with a veiled Muslima.
The work combines a general social development with the personal observations of the artist as part of this society - (feminist) themes are visualized with the help of the iconic success product „Volkswagen“ Beetle, since the artist already had an affinity for automobile design as a child and the beetle accompanied this era.
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FELIX RINGEL GALERIE
Duesseldorf
Michael Reisch – Isabella Til, Present Progressive
16 February – 21 April 2018
In context of DÜSSELDORF PHOTO, 16-25 February 2018
– When at the beginning of the 20th century Kandinsky and the movement Blauer Reiter proclaimed the rejection from naturalism and Duchamp, Dada and Malewitsch stated the end of painting, the freedom of artistic means began. Still photography, although already explored to its abstract and cameraless edges by Moholy Nagy or Man Ray during the 1920s, is mostly associated with the expectation of depicting reality. –
Present Progressive describes the process of doing while being aware of the past and simultaneously reaching for the future. One can call it extended photography that strives for progress by means of experiments. An idea is developed rather than just reproduced by expressly including digital tools and technologies into the process. Its potential is explored, played upside down and the other way round like a piece of jazz music. It's more of a mindset than a specific style.
The exhibition shows a confrontation of two positions. Michael Reisch develops his radical invers photography starting the photographic work from algorithms rather than reality and then transforming the so found image into sculpture and architecture.
Isabella Til digitalizes photo- and watercolor-templates from her own archive and transforms them into a new rather reduced imagined scenery by integrating in particular the coincidences that arise from the use of digital tools and the computer program such as copy-paste, accepting glitches and reversing steps. The work examines three-dimensionality and light in the image by using a minimal canon of form and colour. Her templates cover a period of about thirty years and the resulting digital collages intentionally point to constructivism or early experimental photography as they are initially inspired by her own 30 years old analogue collages she made back then of her photograms. The exploration of the possibilities of abstract representation of light and space becomes an issue. The overpainting of the final print offers further possibilities to either intensify or disturb the compositional structure by creating another sensual and spatial level. The multiple layers create spatial correlations – subtle and transparent or strict and graphic. The work also responds to photography and painting under digital conditions.
Area s/w, series 6
acrylic on paper, 50 x 40 cm, each work unique
"The original handmade image is digitally deconstructed and, like writing a text, is rebuilt by using different streams of consciousness thus different visual samples at the same time. By integrating coincidence and the possibilities of the digital tool I try to produce a new and interesting structure that generates a new reality. Like in painting one decision leads to another but in contrast to conventional forming processes steps partly can be reversed until the process is stopped and the work of the sequence is found."
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MIXED PICKLES
14 March – 18 May 2017
Hans Op de Beeck
Imi Knoebel
Sabine Moritz
Vik Muniz
Jan Stieding
Isabella Til
Johannes Wohnseifer
Kunst Zürich 16
22nd International Contemporary Art Fair
27th to 30th October 2016
Area s/w, series 1, acrylic on paper, 32 x 24 cm
FELIX RINGEL GALERIE
Duesseldorf
ESCAPE GRAVITY
2 September – 22 October 2016
Ross Bleckner, Jonathan Lasker, Peter Halley, Imi Knoebel , Sabine Moritz, Franz Baumgartner, Max Streicher, Adolf Luther, Isabella Til, Martin Golland, Pascal Sender
FELIX RINGEL GALERIE
Duesseldorf Photoweekend
12 – 27 February 2016
Isabella Til - Experimentelle Fotografie
The things surrounding us are subtly talking to us. Their pure presence creates an auratic influence on us. The existence of things in human society documents social development as well as personal conditions.
I picked some of them in order to catch the characteristics in a drawing. In my very personal selection I was lead by free association and connection with these items. Although photography would have been stronger in detail, for me it was more accurate to explore these things the way I did. By doing so I could shortly save them from endless stream of decay and forgetting. In this process they became a sort of private encyclopedia of things.
Interesting thoughts to the topic of ”transmission“ I found in the book Die schrecklichen Kinder der Neuzeit (Suhrkamp 2014) by German philosopher Peter Sloterdijk. There he examines history and progress of western postrevolutionary society where continuity of transition from one generation to the other has faded at the beginning of 21st century. In his opinion the individuum of modern society is left to a supposed freedom while society is uncontrollably ”falling“ forward. He discribes the sources and the impact of a uncertainty of origin for a society whose inhabitants he called ”new bastards“. They act in flat organised systems that constanly change, sending and receiving at the same time. Here a ”heritage“ seems to be less attractive and static.
Other parallel thoughts according to the project I dicovered in the collection of essays Mythologies – Mythen des Alltags written 1957 by French philosopher Roland Barthes. He examined the tendency of contemporary social value systems to create modern myths. Barthes also looked at the semiology of the process of myth creation concluding that every object, idea, picture or text could become a myth.
The collection of almost fifty res narrandi is telling historical stories of a generation, but also very personal ones of where I was and what I found on my way. Thus a miniature golf ticket stands equal beside a Leica camera, a basketball tricot or a Churchill drinking cup.
Isabella Til
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FELIX RINGEL GALERIE
Duesseldorf
ISABELLA TIL
res narrandi
12 January - 27 February 2016
res narrandi, charcoal, colour pencil and pencil on paper, 29,7 x 42 cm (choice from fifty works)
REFLECT I.T., selected self portraits made in analogue photo-technique between 1988-2001, book project
"Can a photograph carry the feeling and memory of an exact situation? What gives you the impulse to take a picture? For whom do you perform? How will you look at the pictures from a temporal distance? What does it mean for other people? Can one recognize a life pattern in mere pictures? Is it idle self-documentation or therapy? Can they help to understand yourself?
For years and years I just kept on spontaneously taking these self-portraits as I initially was fascinated looking at the world through a lens in Folkwang School.
After taking the developed films from the lab, I spend a gorgious time putting the small prints into groups and forming hierarchies and layouts, daydreaming of exhibition walls that would be like a layout-page in a book. As a heritage of student times in Essen I was familiar with the work of Nan Goldin, but only much later I heard about Wolfgang Tillmans. Things were in the air, in music in free life.
I did not only take pictures of myself, but somehow I kept on returning to this very private motive. It was a secret dialogue I kept to myself. (Important side notice: when you are directing a photo lens of an analogous camera on a stretched arm to yourself you never see anything nor know which kind of details will be on the film, you even had to adjust focus on the lens.)
Finally in those days there was always work or life waiting to be done and I sealed all the contact sheets, prints and negatives into boxes with the feeling that this archive might become interesting at some point in my life. With the rising of the digital camera technique I stopped this dialogue and, funny enough, those pictures today, about 25 years later, look like common selfies made with a smartphone - something everybody does at any time, rather normal behaviour, no secret, nothing to hide."
Potatoes
Mixed media, gouache and collage on cardboard
My back then ambivalent object of hatred, the German potato, suddenly proved to be the ideal combination to my grandmother's old garden chair. Whether by chance or not, with their almost magical inviolability and self-evident existence, they were patient models for all sorts of compositions.
Silkscreens on paper, 60 x 42 cm, photogram on baryta 60 x 42 cm, photography
"It's all about how you look at the world. Examining, finding joy.
During childhood my look was somehow narrowed by the ubiquitous curtains in our house, in every house. So I often played with a sort of photographic depth of field to which my eyes enabled me. I focused my view either on the square grid of the curtain itself or on the cut out of the world behind it. The curtain was a protection and an enclosure at the same time. When I entered Folkwang School I slowly got rid of this curtain.
As the silkscreen workshop was always empty, I decided to learn about this craft (that I adored with Andy Warhol) and realized a couple of serials there. I played the meaning of screen by silkscreening a screen."
Photograms and Collages, on genuine photographic paper Ilfospeed glossy, 29 x 23,5 cm
"I got my first camera 1983, a Canon A1 (which I soon changed for a Nikon), when I started at Folkwang School. Initially I thought that I would draw and paint there. That was my passion. But every student had to do photography aswell as the photogaphers had to draw. That was the concept.
Photography touched me directly and for two years I spend most of the day in the school's well-equipped photo lab. It was so fascinating what one could do there, even just in the darkroom. I had finished high school in the same year, in April, and I was a bit sad that I couldn't leave the town for some more exciting place in the world. But then Essen was going to be interesting with all these funky students from allover. And the best was that everybody wanted to do art.
Prof. Inge Osswald (a former assistant of famous Otto Steinert) was a figure of great respect and wisdom to me, a woman somehow as asexual and objective as I imagined a female Moholy-Nagy. Through my art course in high school I was already very well educated in art history and very impressed by constructivism.
One day I did a series of photograms, with carefully prepared templates, which were inspired by Theo van Doesburg. All grey constructivism. She took them for her collection. I was honoured but still thought of all the work in the darkroom and never saw the works again."
Analouge black-and-white photography, genuine photographic prints on Ilfospeed glossy, 29 x 23,5 cm (selection)
"The coal area opened up and in my mind turned out to be as funky but not as dangerous as NYC where I already travelled to in 1985. I explored so many places and got lost on purpose with my red Renault 4: Altenessen, Oberhausen, Duisburg, Gelsenkirchen. I hung out with the photographers because they were wild, cool and partying. I learned a lot about being aware of ones resposibility of the subjective view as a photographer and also about the importance of subline texts in magazines while being a guest in the course of Prof. Angela Neuke, a couragous and very dedicated woman and photographer, who led endless discussions with her (mostly male) students. She brought people like Larry Fink and Garry Winogrand for lectures to us."